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.. Culture & musées, n° 29. Conserver et transmettre la performance artistique

Couverture du livre Culture & musées, n° 29. Conserver et transmettre la performance artistique

Auteur : Jean-Marc Leveratto

Date de saisie : 06/07/2017

Genre : Arts

Editeur : Actes Sud, Arles, France

Prix : 21.00 €

ISBN : 9782330078089

GENCOD : 9782330078089

Sorti le : 21/06/2017

  • Les présentations des éditeurs : 06/07/2017

Revue scientifique à comité de lecture, Culture & Musées publie des travaux de recherche inédits sur les publics, les institutions et les médiations de la culture. Les contributions, regroupées autour d'un thème ou d'une problématique, font de chaque livraison un ouvrage collectif chargé d'approfondir une question vive et qui est placé, à ce titre, sous la direction d'un scientifique spécialiste choisi par le comité de rédaction. Ce dossier thématique est accompagné d'articles «Hors thème» proposés à la revue par leurs auteurs.
En seconde partie, la rubrique «Expériences et points de vue» présente des réflexions, livre des expériences, ouvre des débats sur des questions suscitées par l'évolution des savoirs et des pratiques. Les rubriques «Travaux et notes de recherche» et «Lectures» rendent compte d'ouvrages, de travaux novateurs (mémoires, thèses, études et recherches), et informent les lecteurs sur les publications ou les manifestations.
La revue s'adresse aux professionnels, aux chercheurs et aux étudiants, ainsi qu'à toutes les personnes intéressées par l'évolution actuelle du domaine des musées et de la culture. Elle est publiée avec le soutien de la Direction générale du patrimoine - département de la politique des publics du ministère de la Culture et de la Communication - et de la Région Provence-Alpes-Côte d'Azur.

CONSERVER ET TRANSMETTRE LA PERFORMANCE ARTISTIQUE

Au-delà de la question de la relation entre l'art contemporain et le musée, ce numéro de Culture & Musées s'intéresse plus généralement aux enjeux de la conservation et de la transmission de toutes les formes de performance artistique. il articule ainsi une réflexion épistémologique et méthodologique sur les usages du terme de performance dans le cadre des institutions culturelles avec l'analyse des pratiques d'exposition non seulement de l'art contemporain, mais aussi de l'opéra baroque, du patrimoine chorégraphique ou de l'oeuvre musicale de Brassens. En resituant ces pratiques dans l'histoire culturelle, ce numéro enrichit notre compréhension du rôle du public et des objets techniques dans la conservation et la transmission de l'émotion artistique, ainsi que de la dimension performative du travail du conservateur.


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  • Les courts extraits de livres : 06/07/2017

Jean-Marc Leveratto

INTRODUCTION

il peut sembler spontanément, à la lecture de son titre, que l'objet de ce numéro a déjà donné lieu à une littérature scientifique abondante, c'est du fait de la place prise aujourd'hui dans l'espace public français par l'art contemporain. Tel un trou noir, il exerce une attraction esthétique si forte qu'il absorbe toute la matière artistique de la «performance», faisant oublier qu'elle est constitutive des arts du spectacle vivant, comme le rappelle leur dénomination académique - Performing Arts -dans le monde anglo-saxon. Il importe de souligner, de ce fait, l'élargissement sémantique qu'entraîne, par rapport à l'usage courant du terme dans l'espace du musée et de la galerie, l'adjonction du qualificatif «artistique», et ses implications méthodologiques et épistémologiques. Elle nous oblige à interroger tant la définition artistique que la conception anthropologique de la «performance».

UNE CONCEPTION ÉLARGIE DE LA PERFORMANCE COMME OBJET ARTISTIQUE

Elle modifie immédiatement en effet l'extension du terme. La performance, au sens de l'exécution physique d'une action qui constitue un événement artistique, n'est pas propre à l'art contemporain, comme ne manquent pourtant pas de le souligner leurs porte-paroles, critiques ou chercheurs. S'intéresser à la performance artistique oblige donc à intégrer dans l'observation et la réflexion la diversité des cadres institutionnels de l'expérience esthétique qui nous offrent l'occasion d'éprouver personnellement l'efficacité «artistique» du corps d'un artiste, et de l'évaluer comme telle. Il ne s'agit pas seulement de dire que la performance ne se limite pas à l'exposition, dans toute sa singularité, du corps vivant de l'artiste dans le musée. Il s'agit plutôt d'admettre qu'elle ne se réduit pas non plus à l'interprétation - conventionnelle ou singulière - d'une partition, d'un texte, ou d'une chanson qu'offre l'artiste vivant sur la scène du théâtre ou de la salle de concert. Elle ne se réduit pas non plus à l'improvisation - individuelle ou collective - du musicien de jazz ou du danseur contemporain sur une phrase - sonore ou gestuelle - initiale. Elle inclut nécessairement, comme Walter Benjamin le soulignait, l'expérience de la reproductibilité technique, soit le plaisir d'éprouver à distance cette interprétation, apporté par les techniques d'enregistrement et de diffusion. Elle nous alerte - ce qui est un point commun, on va le voir, entre les approches réunies dans ce numéro - sur le rôle des objets, des acteurs «non humains», dans la transmission de la performance artistique et la possibilité de la détacher d'une situation de coprésence physique. Cette manière d'aborder la performance, qui refuse de l'opposer à la technique, ne récuse pas pour autant son caractère incarné qui constitue, du point de vue de l'art contemporain, sa qualité fondamentale. Elle prend en compte simplement l'activation physique par l'usager de l'efficacité affective de l'enregistrement musical ou cinématographique, l'incorporation de l'expression enregistrée de l'artiste qui autorise la re-production esthétique de l'événement. Le témoignage de Theodor W. Adorno, grand contempteur de l'industrie culturelle et maître à penser de l'art contemporain, peut servir à illustrer cette performativité. Il n'hésitait pas à célébrer, dans les années i960, l'invention du 33 tours au nom de la possibilité qu'il offrait à l'auditeur de s'approprier véritablement un opéra, de prendre la mesure sonore véritable de la performance musicale et vocale, en débarrassant l'écoute des bruits intempestifs, des sollicitations visuelles et des obligations mondaines de la soirée à l'opéra.

(...)


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